Estudiando El Blues Y El Rock
Cristina Massieu en 2014 nos educa sobre cómo se ve al blues como el padre del rock y ha sido responsable de impregnar los corazones de varios artistas populares. Como regla general, el blues se caracteriza como el estilo melódico que comenzó a partir de la reubicación africana durante la servidumbre en América del Norte y es reconocido por armonías de guitarra melancólicas y crudas, al igual que los versos que hablan sobre los compromisos de la vida en el campo y las traiciones urbanas, trágicas y sociales. . El telón de fondo histórico del blues regresa algún tiempo antes de los Rolling Stones, John Mayall y Eric Clapton investigaron y ampliaron la clase durante el período conocido como el ‘ataque inglés’, cuando la sujeción y la intolerancia se multiplicaron en Norteamérica (más explícitamente en el sur de los Estados Unidos), y la música era un enfoque para gestionar la minimización del tiempo. No fue hasta 1863 que Abraham Lincoln hizo la Proclamación de Emancipación, liberando autoritariamente a cada una de esas víctimas de la esclavitud.
A pesar de la importancia del blues en la cultura occidental, existe una información compacta mínima sobre sus lugares de nacimiento, en gran medida debido a la segregación racial que gobernó los cientos de años anteriores y realmente influyó en la instrucción de las partes afroamericanas. Hay discusión sobre la introducción del blues; No se puede hacer referencia a un año o época cuidadosa en que se elevó, ni a un tipo particular de música africana que lo precedió. La leyenda dice que el intérprete W.C. Útil, quien más tarde podría ser conocido como ‘El padre del blues’, quedó fascinado por un guitarrista que tocaba con una cuchilla y cantaba en una estación de tren en Mississippi en 1903; 2003 es recordado como el tiempo del blues para el siglo de esta ocasión. Alrededor de un tiempo similar, el pionero de la musicología John Lomax hizo un viaje a través de los Estados Unidos en el que grabó una gran cantidad de melodías únicas, que fue un avance clave para la preservación de la música de los norteamericanos.
Por lo general, los azules se representan mediante movimientos explícitos de cuerdas, de los cuales el más ampliamente reconocido es el de doce compases, que comprende reuniones de tres armonías tocadas en una conspiración de doce compases. Un caso de esta estructura es ‘Love in Vain’, de la leyenda del blues Robert Johnson.
La mayoría de los especialistas piensan que África es, de manera equitativa, el apoyo del blues, y al mismo tiempo perciben que la maravilla social de la reubicación africana restringida a Estados Unidos es el factor que desencadenó el desarrollo de la orientación sexual. Las melodías que cantaron los especialistas africanos durante sus días (apodados ‘espirituales’), muestran una parte de las cualidades de la rutina del blues actual, que siempre discute los desafíos de la vida del período y parte del tiempo trabajado con temas estrictos, particulares de clasificaciones Primos como el Evangelio.
Los avisos primarios del blues como una fecha de estilo distintivo desde el primer punto de inicio del final del siglo XI y el comienzo del siglo XX, por ejemplo, la canción de 1908 ‘I got the blues’ de Antonio Maggio es la canción principal grabada que utiliza legítimamente el término, y la grabación principal de un artista sombreado es ‘Insane Blues’ de Perry Bradford, cantada por Mamie Smith en 1920. A pesar del hecho de que el blues comenzó a construir algunos puntos de vista, hay componentes que todas las adaptaciones compartir debido a la excentricidad que retrata
Entre las variaciones más llamativas están el blues Delta, el blues Chicago, el boogie woogie, el blues de Nueva Orleans y el blues de Memphis.
Probablemente los nombres más importantes en el progreso del blues a la música conocida son Mamie Smith, Bessie Smith, Ma Rainey, Ralph Peer, Papa Charlie Jackson, Daddy Stovepipe, Blind Lemon Jefferson, Charley Patton, Robert Johnson, Eddie Durham, Muddy Waters, T Bone Walker, Howlin ‘Wolf, BB King y John Lee Hooker. Dado que el blues caracterizó su personalidad y entró en el espacio abierto, no fue dolor para los especialistas blancos abrazar y cambiar el estilo, dos ejemplos de esto son Elvis Presley y el guitarrista texano Stevie Ray Vaughn.
El blues se convirtió en una pieza importante de la sociedad dominante estadounidense, que fue moderadamente nueva durante la década de 1920, primero con relatos de artistas de estilo antiguo y luego con artistas de Delta del Mississippi, el Piamonte de Carolina y Texas. Una parte decente del grupo de personas afroamericanas salió del sur de los Estados Unidos en algún lugar en el rango de 1925 y 1940 en busca de mejores condiciones de vida, y en este sentido, el blues los acompañó y se estableció en los focos urbanos del norte, especialmente Chicago El lado más urbano y eléctrico del blues eclipsó las causas provinciales de la clase y alentó directamente el rock and roll y lo que más tarde podría convertirse en Rhythm and blues. Con la llegada de la sociedad en los años cincuenta y sesenta, el grupo blanco de espectadores ‘redescubrió’ y llevó otro aire al blues de las personas y lo convirtió en la base del inmenso desarrollo del blues rock estadounidense y británico de las próximas décadas.
La revista avanzada de la Universidad de la UNAM en 2016 nos informa sobre el pensamiento positivo y el deleite de los años posteriores a la guerra, al igual que el impacto de los periodistas de la era beat, el ansia de superar los ritmos regulares de lo asombroso de la década de 1950 y Los años sesenta, particularmente a partir de su discurso efectivamente fundamentalmente igual a lo que se construyó, y el mercantilismo de la época, hicieron que la piedra nunca más se sintiera bien al mover la música de la sociedad y se buscaron diferentes formas. Estos se originaron de la mano de la cultura hippy y la renuncia a la guerra en Vietnam (que se había retrasado en exceso), llevando consigo un discurso progresivamente rústico y con un impacto recargado de la música de la sociedad estadounidense, en la que grupos como Greatful Dead, Jefferson Airplane o Big Brother y The Holding Company cantaron sobre un mundo sin guerra y una sexualidad descargada en canciones largas y relajadas.
Cuando se estableció y aclimató la maravilla hippy, y con la apariencia de frustración por una guerra que no terminó con peleas tranquilas fuera de los terrenos de la universidad o de la plaza del pueblo, al igual que la aparición de medicamentos disponibles; No tomó mucho tiempo el requisito de una diferencia en la cara hacia una piedra más dura, pesada y enredada, por lo que se concibió la psicodelia y el rock duro. Los dos tipos mantuvieron la forma de vida de los trabajadores comunes británicos y estadounidenses a fines de la década de 1960. Indicaciones, por ejemplo, piedra corrosiva, roca raga (con impactos orientales) y los inicios de piedra abrumadora comenzaron a facilitar la búsqueda de un carácter melódico hacía música progresivamente escandalosa e incontrolada, cargada con indignación y tristeza. A partir de ahora, un gran número de artistas intentaron investigar, progresivamente, otras opciones melódicas, a pesar de que elaboraron restricciones y sus propias capacidades como instrumentistas las impidieron.
En el caso de que la música emocionante se desarrollara más, necesitaría abandonar su estructura moderadamente básica y abrirse a diferentes tipos, por ejemplo, música tradicional, rococó o jazz. De esta manera, se concibieron desarrollos, por ejemplo, piedra dinámica o su ejecución de piedra más valiosa. En esta música, el entusiasmo por el virtuosismo, la creación académica, la organización de la exhibición en vivo, las colecciones razonables y el impacto melodioso de la alta escritura (en contraste con sus precursores auténticos de puntos de partida de trabajadores promedio y significativamente menos desarrollados académicamente), hicieron que el progrock un estilo melódico elitista y, de vez en cuando, hasta cierto punto autoabsorbido. No era, por lo tanto, música destinada a examinar, música destinada a la población en general.
Además, en 2016, Enrique Hernández Lemus nos informa sobre lo que siguió inmediatamente, reforzado por la espectacularidad y la mezcla melódica del progrock, además de un toque de fuegos artificiales, la pieza de roca dura más melódica y sorprendente (que se había producido hasta esos días) y muy llamativo; ofrecieron ascender a una música excepcionalmente grande: el campo de piedra, que, como su nombre lo indica, era música para grandes debates, por ejemplo, estadios de fútbol, campos deportivos, etc. Grupos con una gran variedad melódica y variada, que van desde Queen a Supertramp, o de Chicago a Journey, REO Speedwagon, Boston, Heart, entre otros con actos dinámicos, por ejemplo, Pink Floyd, Yes o Genesis; llenaron reuniones de enormes extensiones y vendieron una gran cantidad de discos. Esta escena fue retratada por tener música todavía vertical, pero con melodías más directas y sustancialmente más arregladas pop, y además por espectáculos muy bien montados.
Cuando esta música fue absorbida por lo que se creó, normalmente se consideró la introducción de su opuesto directo. Entre mediados y fines de la década de 1970, se desarrollaron grupos, cuya motivación fue la melancolía del rock duro y áspero hacia el final de la década de 1960, y en desprecio de la roca de la mano de obra y la roca de arena, formaron lo que actualmente se conoce como roca subterránea.
El personaje del punk era un no-musical con el desprecio de la musicalidad y la melodía de la piedra estándar, hasta tal punto que, en general, vagaron en la conmoción tonta. La filosofía política (traída al mundo surgió nuevamente de los trabajadores regulares y no de los centros) rechazó la codicia empresarial y empresarial libre, y fue a desafiar el marco político relacionado con el dinero que abusó de ellos y que había terminado generosamente respetando el campo de piedra.
No obstante, el propio temperamento del punk lo llevó a cambiar muy destinado a ser absorbido por la cultura empresarial que tanto detestaba. El punk sin musicalidad y característicamente introvertido se desarrolló en formas cada vez más prevalentes, por ejemplo, la nueva ola, que fue apoyada por la música en movimiento (en su mayor parte electrónica) de los años setenta o postpunk, en la que los componentes de otra imprevisibilidad surgieron ricamente melódicos y expresivo
Una pieza del alma del punk, concentrada en sus más estrictos seguidores, en cualquier caso, eligió no popularizar o musicalizar, sino ir a lo extraordinario, ofreciendo ascender a lo que se conoce como punk malo. Siguiendo las tramas comparables, el aumento de la ola de metal sustancial británica se ha registrado como una ruptura con el rock subterráneo y el rock duro ácido, visto como no excepcionalmente melódico.
Alex Ross en su libro de 2012, retrata el minuto en que el artista y escritor W.C. Conveniente (uno de los autores del jazz) tuvo contacto solo porque con su estilo melódico al final llamaríamos blues.
En 1903, Handy estaba en la estación de tren en Tutwiler, Mississippi, y allí escuchó a un hombre rasgar su guitarra con una cuchilla, mientras cantaba una expresión similar una y otra vez. Hechizado por la rareza melódica, Handy intentó reproducir el ismo sonoro en sus estructuras, en su mayor parte en el ejemplar St. Louis Blues.
Conveniente ayudado de manera significativa para anunciar el blues, sin ser fundamentalmente un jugador de blues decente como los del Delta. Simultáneamente, dos sueños del blues se hicieron realidad, como una forma de hablar. Desde un punto de vista, el blues con cursos de acción para grupos y sinfonías; mientras que en el lado opuesto, el blues provincial, el blues de la nación, el hombre y la guitarra se disolvieron en una melodía solitaria, que provocó el blues de Chicago. En otras palabras, desde sus puntos de partida, el blues ha sido moldeado para obtener inducciones, por ejemplo, el boogie woogie, a pesar de que sus primeras cuentas datan de finales de los años 20, su efecto más notable fue 2 décadas después.
La cultura agregada en 2016 nos da una pequeña historia de lo que fue el desarrollo del tipo pop y cómo esta es una mezcla de algunas clases obtenidas del blues.
