Deconstrucción Como Reordenación de Los Conceptos de La Cultura Occidental

Ensayo crítico del artículo de E. Lupton: “Deconstrucción y Diseño Gráfico”

Introducción

La deconstrucción es un término que acuñó el filósofo francés Jacques Derrida en su obra “De la Gramatología” en el año 1967. Aquella década se caracterizó por culminar los embates teóricos de distintas disciplinas como la lingüística, la psicología y la filosofía que pusieron fin al dominio del estructuralismo. Como el mismo Derrida afirmó, el término deconstrucción no tiene que ver con la destrucción absoluta para crear algo nuevo, sino más bien con la idea de desestructurarse, para entender y destacar algunas partes del sistema de estructuras que conforman aquello que es sometido a un examen. Rick Poynor (2003) dijo que la deconstrucción había seguido su curso como un estilo.

Cabe entonces preguntarnos, ¿es relevante la deconstrucción dentro de los reinos de la tipografía en el siglo XXI? ¿O ya se ha vinculado a las páginas de la historia?

Desarrollo

La teoría deconstructiva es parte de una entidad más grande que sí misma, el postestructuralismo. Su concepto principal es cambiar y reordenar los conceptos erróneos e ideales de la cultura occidental que encarna el estructuralismo. El estructuralismo segrega los opuestos en la cultura occidental como externo / interno, imagen / realidad y representación / presencia (Derrida, 1994). La teoría del estructuralismo considerará a uno como superior y al otro como inferior. La teoría deconstructiva, en cambio, no. De hecho, su éxito radica, en parte, a esa ambigüedad.

‘El método deconstructivo busca deshacer tanto un orden dado de prioridades como el mismo sistema de oposición conceptual que hace posible ese orden’ (Poynor, 2003). El orden de prioridades que más se relaciona con el medio de la tipografía es el habla / escritura. Este opuesto ha sido una de las fuerzas impulsoras detrás de los usos de la teoría deconstructiva en el diseño gráfico y tipográfico. Así, la deconstrucción instituye a la reflexión como condición primordial; dado que no se plantea una deconstrucción mediante una tipografía meramente mecánica, sino una íntima. La deconstrucción propone un individuo activo, capaz de realizar una reflexión profunda ante una obra de arte u objeto de diseño en el cual busca, por un lado, desarticular el entramado de elementos simbólicos que pertenecen a un sistema y, por otro, explicar cómo funciona en especial uno que atrae subjetivamente su atención y que otorga una particularidad de la obra misma. La deconstrucción, resulta entonces, más una actitud que un estilo.

Ferdinand de Saussure, un lingüista suizo cuyas ideas estaban firmemente basadas en la escuela del estructuralismo, argumentando que el idioma hablado y la palabra escrita eran independientes entre sí. Él creía que ‘el discurso se basa en la conciencia interior, pero la escritura es muerta y abstracta’ (Lupton y Miller, 1999). La visión estructuralista considera el discurso como superior y la escritura como inferior. Saussure creía que el alfabeto no era una forma suficiente de significar el lenguaje y que envolvía la forma purista de la palabra hablada que, en comparación, tiene una conexión significativa con el hablante. Derrida (1994) se opuso a los puntos de vista de Saussure sobre el habla / escritura. El filósofo francés creía que la palabra escrita era una representación efectiva del discurso. Pero a pesar de esto, estaba inquieto por lo intrusivo que podía ser. Derrida creía que la escritura era una copia defectuosa de la palabra hablada y que invadía el proceso de pensamiento y alteraba los reinos de la memoria, el conocimiento y el espíritu (Lupton y Miller, 1999).

Podría decirse entonces que el lugar más influyente donde se implementó la deconstrucción como teoría en el diseño gráfico fue en la Academia de Arte Carnbook en América. El curso que aplicó este pensamiento fue dirigido por Katherine y Michel McCoy de 1971 a 1995. Los McCoy expresaron sus pensamientos sobre los usos de la teoría deconstructiva en la Academia. Fueron promotores de la idea de que las diferentes significaciones de un texto pueden ser descubiertas descomponiendo la estructura del lenguaje dentro del cual está redactado. Los estudiantes comenzaron a deconstruir la dinámica del lenguaje visual y entenderlo como un filtro que manipula inevitablemente la respuesta de la audiencia (Aldersey-Williams et al., 1990). El estilo estético de la deconstrucción a mediados de la década de 1990 fue acogido por una audiencia extremadamente amplia y se abrió camino en el mundo de la cultura popular y la publicidad corporativa. Los gustos de Microsoft, Nike y Levies integraron tácticas deconstructivas en sus diseños promocionales. La comercialización de la deconstrucción abrió la estética a nuevas metodologías que no seguían específicamente las teorías deconstructivas de Derrida, permitiendo que el estilo alcanzara un alcance mucho más amplio. Diseñadores como Carson y Brody dieron al público nuevas formas de interpretar la estética. Pero esta adopción generalizada de la deconstrucción actuó como una espada de doble filo y para algunos, simplemente se convirtió en un estilo. La deconstrucción como término se usó en exceso y se convirtió en parte de la cultura “pop”, una mera tendencia. La deconstrucción como dispositivo de comunicación dentro de la tipografía fue mejor en una pequeña escala creativa, donde todo se podía controlar, pero una vez que se comercializó, muchas cosas que lo hicieron exitoso tenían el potencial de perderse en la traducción. ¿Había el movimiento deconstructivista llegado a su fin?

Se le preguntó a Derrida, en una entrevista, sobre la supuesta muerte de la deconstrucción y él creía que partes de la deconstrucción pertenecían a la estructura de la historia o los eventos, pero que también continuaría con otros nombres (Lupton y Miller, 1999). En respuesta a estos comentarios, Lupton y Miller (1999) dijeron que estaban interesados ​​en eliminar la periodización de la relevancia de la deconstrucción, en lugar de verla como un ‘ismo’ de finales de los 80 y principios de los 90, lo ven como parte del desarrollo continuo del diseño y la tipografía como modos distintivos de representación. Lupton y Miller (2004) sostienen que la deconstrucción no es un estilo o una “actitud”, sino más bien un modo de cuestionar a través y sobre las tecnologías, los dispositivos formales, las instituciones sociales y las metáforas fundacionales de la representación. De hecho, a lo largo del siglo XXI, estos modos de cuestionamiento se han desarrollado a un ritmo asombroso, por ejemplo, en la Nueva Estética. “The New Aesthetic” fue acuñado en 2011 por James Bridle y es un acto de cuestionamiento de los opuestos dentro de la cultura moderna actual, similar a la deconstrucción. La Nueva Estética se centra en cómo la tecnología se ha vuelto cada vez más intrusiva en la sociedad, y cómo nuestra creciente dependencia de ella se ha volcado a la realidad en la que vivimos. Bridle (2012) ve la Nueva Estética como una confusión entre “lo real” y “lo digital”, lo “físico” y lo “virtual”, lo “humano” y la “máquina”.

El ensayo de Sterling (2012) sobre la Nueva Estética es a veces bastante contradictorio. Está “hecho de muchas piezas pequeñas unidas libremente” (Sterling, 2012). Nunca podrá establecerse y encaminarse completamente en la cultura moderna. Es un propósito estético (nómada) creado para la tasa de actualización de la sociedad actual. Poynor (2003) argumenta que “la deconstrucción ha seguido su curso como un estilo”, pero nuestro análisis ha demostrado que este no es el caso. El “estilo” de la deconstrucción ha sido una parte integral del medio de diseño tipográfico contemporáneo. Puede haber tomado muchas formas de estilos visuales y se haya aplicado la teoría moderna, pero las aplicaciones críticas de deconstrucción de agregar capas interpretativas y complejidades a la tipografía todavía están presentes.

La teoría deconstructiva de Derrida dentro del diseño tipográfico todavía se puede usar en el siglo XXI, el pensamiento crítico de la Nueva Estética lo ha demostrado. Sin embargo, debido a la difícil accesibilidad de la teoría, los diseñadores han demostrado que pueden alcanzar niveles similares de profundidad y complejidad tipográfica sin referirse directamente a ella. La deconstrucción, entonces, pertenece tanto a la historia como a la teoría. Está incrustada en la cultura visual y académica reciente, pero describe una estrategia de creación de formas críticas que se realiza en una variedad de artefactos y prácticas, tanto históricas como contemporáneas. El movimiento ha tenido opositores desde sus inicios. John Murphy, compositor inglés contemporáneo afirmó: “Hubo que inventar un extraño tipo de sociedad para que la alienación fuera considerada la norma”.

Ciertamente la deconstrucción, como cualquier movimiento basado en nuevas ideas, tiene un impacto en cada disciplina. Diversas manifestaciones relacionadas con esa ideología tienen lugar espontáneamente en diferentes partes del mundo, principalmente en las áreas modernistas. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que el movimiento ganara reconocimiento, ya que se expresa en los mismos términos que la nueva generación y fue capaz de comprender las nuevas necesidades de un nuevo orden mundial. Un mundo donde el progreso de la tecnología estaba reestructurando radicalmente los medios de intercambio de información y comunicación. La deconstrucción llegó a adaptarse y expresar especialmente estas transiciones. Deconstruir es desmontar el espacio estructurado racionalmente. Los diseñadores desafiaron las reglas de sus predecesores modernistas y rechazaron las soluciones ideales para las técnicas de comunicación visual. Empujaron los límites del diseño a través de una libertad de expresión en la que invitaron al espectador a sumergirse en su trabajo e interpretar su significado. A lo largo de su ensayo, Lupton, intenta demostrar cómo el diseño de los signos y su forma gráfica en realidad condicionan la índole del pensamiento que permiten expresar. El campo del diseño, como hemos visto hasta ahora, juega un papel decisivo en el modo de cómo entendemos el mundo.

Hoy la deconstrucción parece más un puente entre el modernismo y la posmodernidad. Un movimiento que tuvo un gran impacto en el diseño moderno. El diseño moderno es difícil de ser capturado por cualquier regla porque se dedicó a romperlas, liberando la tipografía de su estructura y empujando al mismo tiempo los límites de sus expresiones. Los diseñadores modernistas nos enseñaron a ver el tipo como imagen. Imágenes que tienen significados y emociones, y no solo representan una información estricta. El arte de pronto estuvo en todas partes y al alcance de todos. Jonathan Culler describe la deconstrucción como un sistema manifiesto que “lo que determina es lo que la historia puede haber ocultado o excluido”, demostrando que la historia no es real, ni es la verdad absoluta, como se ha creído en la cultura tradicional. La deconstrucción resulta entonces, una actividad que conlleva a la reivindicación de lo distinto. Para ello, centra su atención precisamente en lo singular, es decir, en el detalle de “las paradojas, ambigüedades, ironías, silencios, antinomias, alegorías, coincidencias, de los discursos”, en síntesis, de lo subjetivo, lo que supone una actividad interpretativa que estimule la creatividad, y por lo tanto, la percepción de la realidad.

Los diseñadores tenemos que recordar por qué estamos trabajando; porque el oficio necesita objetivos, el esfuerzo necesita propósito y nosotros necesitamos un medio para tender puentes hacia el subconsciente colectivo. La tipografía ahora viene con una personalidad adicional, se convirtió en algo más que la suma de sus partes. La deconstrucción se convirtió en parte de la cultura popular, perdió todos sus lazos con sus orígenes teóricos, la comercialización masiva hizo que se fragmentara. Esta fragmentación (y desviación) de la teoría de la deconstrucción dentro de la industria del diseño sólo se amplió en el siglo XXI.

Los diseñadores y creadores de la tipografía que usaron la deconstrucción sin hacer referencia a la teoría de Derrida como Carson, Brody y Mun, en cambio, la usaron como un caparazón estético para llenarlo con sus propias metodologías, mostrando cuán diversa puede ser la aplicación deconstructiva. Ser relevante (¿moderno?) no debería requerir que un diseñador siga ciegamente el estilo requerido. “Relevante” simplemente significa ser fiel al tiempo en que vives, fiel a las herramientas y los medios con los que trabajas, y sincero a las personas con las que te estás comunicando.

Veo la aplicación de la deconstrucción, ya sea que implique la teoría o sólo la estética, como una forma más ética de abordar la comunicación visual, no solo en el diseño tipográfico, sino en la industria del diseño en general. La deconstrucción no agrupa nada en categorías, oscurece sí y no, muestra lo correcto y lo incorrecto, manteniendo la tipografía como una forma verdaderamente subjetiva y neutral. Rechaza el enfoque estéril del modernismo hacia el diseño tipográfico que a menudo parece ser sincero, y “nos llevaría a todos a un mundo mejor imaginado” (Van Landers, 1995).

Conclusiones

La Deconstrucción, en sentido estricto, es imposible de explicar: no se trata de un método, por lo cual es imposible dar normas o pasos para explicar su forma de ser. Para la Deconstrucción no existe un “dentro del texto” y un “fuera del texto”.

¿Se puede comunicar con la “estética” deconstructiva? Me inclino por el sí: tanto el diseño como el arte como formas de pensamiento y acción se mueven a gran velocidad; tras una construcción sigue una deconstrucción continua. Puede decirse que el diseño contemporáneo tiene su centro en lo humano y de este modo, la atención ya no es sobre la forma y la función sino precisamente se desdibuja para darle sentido a la experiencia. Es natural que el medio tipográfico atraviese flujos y reflujos, pero que vuelva a caer en el modernismo, la forma lineal de comunicarse sólo puede ser contraproducente.

El movimiento busca visibilizar lo invisible (desplazado o anulado) por la presencia, manifestando abiertamente lo que callan las palabras. Las posibilidades que plantea la deconstrucción como un movimiento de transformación abarcan un escenario que enriquece el abanico potencial de desarrollo del ser humano desde perspectivas mucho más comprometidas con su liberación de las estructuras de poder establecidas. Por tanto, el reafirmar su vigencia en los distintos ámbitos de actividad humana, posibilitará la reinvención continua e innovadora y la consiguiente transformación o desplazamiento (para usar una terminología más derridiana) de las superestructuras institucionalizadas (formas tradicionales de organización social, cultural o política).

Es imperativo que la aplicación de la deconstrucción, como un medio para comunicar las complejidades del mundo en el que vivimos, siga siendo una parte activa del diseño tipográfico en el siglo XXI. Su naturaleza compleja puede reflejar eso en el mundo que otras metodologías de diseño no pueden. Y mientras estas complejidades continúen siendo una parte en desarrollo de nuestra civilización, lo que ha demostrado ser el caso, no sólo vemos la deconstrucción como relevante ahora, sino también en su aplicación futura dentro del medio tipográfico.

Referencias

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6. IBARRA, Dan. “Design and the Non-Conceptual Mind”. The Aesthetic Apparatus
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8. LUPTON, E. (2004). Deconstruction in graphic design: history meets theory. Consulta: 28 de
9. septiembre de 2019 en: https://www.typotheque.com/articles/deconstruction_and_graphic_design_history_meets_theory