Los Dibujos Animados, Origenes Y Técnicas De La Animación

Introducción

Conocemos como “dibujo animado” a todos aquellos largo o cortometrajes en los cuales los personajes y el entorno de los mismos son ilustraciones en movimiento, en lugar de actores o un medio real. El término animación consiste en darles vida a estos personajes, dibujando varios puntos de vista y reacciones de cada personaje para adaptarlo a las distintas situaciones que sufrirá en la obra.

Origen

Aunque no lo parezca, los dibujos animados aparecieron muchísimo antes que el propio cine. Su creador, Charles Émile Reynaud, fue un inventor francés que vivió durante la segunda mitad del siglo XIV, y fue considerado pionero del cine de la animación con la creación de dos inventos,  pero hubo otros mecanismos antes y después de los suyos: 

• La linterna mágica: es, seguramente, el primer aparato con el que se conseguían imágenes en movimiento. Fue creada en 1640 por el alemán Athanasius Kircher. Era un sistema un tanto primitivo y rudimentario, que consistía en varias imágenes y una luz. La luz proyectaba las imágenes y manualmente estas se cambiaban, creando movimiento.
• Zoótropo: este mecanismo consistía en una rueda, en la que se colocaba una cadena de dibujos como los de la imagen, se giraba y en el interior de este invento, por unas pequeñas rendijas, se podían ver dibujos en movimiento. El zoótropo no fue creación de Reynaud, sino que este perfeccionó el artilugio creado en 1843 por William George Horner.
• Praxinoscopio: Reynaud lo creó en 1877, basándose en el invento de Horner. Consistía en un tambor con espejos en el medio, y el tambor tenía la tira de imágenes en su parte interior, haciendo que al girar, las imágenes en movimiento se proyectaran en los espejos, siendo la animación más clara y de mejor calidad.
• Tras la invención de estos objetos y después de que Reynaud se los mostrase al mundo en espectáculos y teatros a rebosar de gente, Edwin S. Porter creó la primera animación de objetos, fotograma a fotograma, creada para el inventor Thomas Alva Edison, gracias al Kinetoscopio.

Nuevas técnicas y animaciones míticas

Con el cinematógrafo de los hermanos Lumière ya inventado, surgen los bocetos para la creación de guiones en la compañía de animación más famosa de hoy en día: Disney. Aquí apareció el Storyboard por parte de Webb Smith en los años treinta. Este guion gráfico consiste en varias ilustraciones abocetadas que explican de forma clara y superficial la historia que se quiere contar, pero sin ofrecer detalles demasiado específicos.

Gertie, el dinosaurio de Winsor McKay ayudó también a la aparición de nuevas técnicas de animación. Esta animación fue muy impactante en la época, ya que la gente al ver a un dinosaurio dibujado moviéndose se sintió impactada. Este sentimiento de novedad favoreció a nuevas técnicas y a un avance muy rápido en este campo.

Más tarde, los hermanos austriacos Fleischer crearon a un personaje que aún hoy en día es famoso, Betty Boop, que fueron los mayores competidores de Disney. También fueron los creadores de Popeye, cogido de un anuncio de espinacas de E.C. Segar.

Dominio Disney

[image: Ver las imágenes de origen]Después de todos los avances ya nombrados, entre los años treinta y cuarenta comenzó el auge de la compañía de Walt Disney. Crearon sus personajes más representativos (Mickey, Pluto, Donald) y sacaron a la luz la primera película de la historia con sonido, Streamboat Willie en 1928. A partir de 1940, la competencia en animación que sufrió esta compañía se volvió muy dura. Apareció la serie de Woddy Woodpecker, conocida aquí en España como el pájaro loco por su característica forma de reírse; también la dupla de Tom y Jerry. La delicadeza de los dibujos Disney y la postguerra provocaría la finalización de la Década Disney.

Explosión de dibujos animados

Antes de la guerra, la compañía fundada por Walt Disney poseía el monopolio de la animación, siendo la mayor potencia en este campo. Al finalizar la 2ª Guerra Mundial, Disney se bajó de este trono para que le aparecieran muchos más competidores. En la década de los 50, Bugs Bunny se convirtió en una leyenda; también aparecieron otros personajes que hoy en día recordamos, como los creados por Jim Henson (Fraggle Rock o Barrio Sésamo), creador de El cristal oscuro.

Sin embargo, Japón se colocaría en el puesto número 1 con la creación del Anime y de los Mangas, que consiste en una mezcla entre el típico cómic estadounidense e ilustraciones tradicionales japonesas. Los japoneses, durante los 60 y 70, se dedicaron a la producción de animes, mayormente para la pequeña pantalla, con personajes como Marco o Heidi, creación de Hayao Miyazaki. Este mismo creó los estudios Ghibli, en los que se encargó de la materialización de largometrajes como Mi vecino Totoro, El castillo ambulante o El viaje de Chihiro.

Después de esto, Disney reaccionó. En el año 1995, los estudios de animación de Pixar sacaron a la cartelera de los cines Toy Story, el primer largometraje de animación creado únicamente de forma digital. En la actualidad, esta compañía ha decidido no volver a crear una animación de dibujo, sino que las hará todas digitalmente.

Pasos para la creación de una animación

1. Escribir un guión: para poder crear una animación, hace falta una historia que contar. Para ello, hay que desarrollar un guión, que consiste en escribir la historia de la forma más detallada posible. En el guión no hay que extenderse en los personajes o el entorno, sino mostrar una imagen superficial de ambos.
2. Diseñar los personajes y los escenarios: cuando ya tengamos el guión terminado, hay que crear los personajes y el entorno en el que actuarán. Para ello, hay que diseñar cómo van a ser físicamente estos personajes, además del diseño de los paisajes (una ciudad, un bosque, el fondo del mar…).
3. Storyboard: consiste en combinar una imagen superficial de los personajes, fondos, etc. y la historia, sin ofrecer demasiados detalles de esta. Suele tener indicaciones y flechas para representar acciones que no se pueden crear en un papel, como un cambio de cámara o movimiento de personajes.
4. Grabación de sonidos: como en una película normal se deben hacer doblajes en la mayoría de idiomas, en una animación se debe añadir sonidos y diálogos a la historia. Este paso se debe hacer antes de tener la animación, ya que esta puede variarse según los sonidos.
5. Crear la Animática: la animática es una combinación del storyboard y la animación final, es decir, es una historia animada muy sencilla en la que se pueden ver los movimientos y reacciones de los personajes a grandes rasgos. Sirve para ver si la historia nos convence, o si hay que hacer cambios, ya que si los hiciéramos en el resultado final se perdería mucho más tiempo y dinero.
6. Animación: en esta etapa es en la que pasamos la animática a una animación terminada. Aquí ya deben estar todos los personajes con su forma física lo más detallada posible, al igual que los fondos que vayan a aparecer. También se debe establecer la calidad de la animación, es decir, los fotogramas por segundo (fps), cuantos más fotogramas por segundo haya, la animación será de mejor calidad, pero requerirá de mayor trabajo, y viceversa. La velocidad normal es de 24 fps.
7. Edición final: Última etapa de la animación, consiste en juntar el resultado del paso anterior y añadirle todos los efectos de sonido y diálogos. Cuando todo esto esté hecho, viene la renderización.

Bibliografía

• https://loquenosevedisney.wordpress.com/casos-reales/
• https://es.wikipedia.org/wiki/Émile_Reynaud
• https://www.euston96.com/praxinoscopio/
• http://www.ugr.es/~ahorno/STA.pdf
• https://dibujoanimado.blogspot.com/
• http://www.naskadigital.com/noticias/201-como-hacer-una-pelicula-animada