Construcción del Actor en el Teatro: Una Perspectiva Stanislavskyana

El actor no es una marioneta, un actor no es una sola voz, un actor es una mente que deja su huella y pensamiento en el escenario. Stanislasvki logra llevar al actor al profesionalismo y el teatro da un giro de 360 grados, las obras ya no son las mismas, el espectador ya no es el mismo y los teatros contemplan el surgimiento de una nueva era de la actuación. 

Proviene de la mano de “Konstantín Serguéievich Stanislavski, (1863-1938), actor, director y autor ruso, nacido en Moscú, fue quien desarticuló el estilo de actuación grandilocuente que imperaba en su época”. Si nos trasladamos desde un comienzo empezamos a ver estos tipos de actores donde aún el término “actor” y “ Teatro” no eran conocidos y no existía un recurso que apoyara al actor en la interpretación de su personaje, encontramos estas mismas características de una actuación grandilocuente y tenemos el ejemplo de los pioneros de este arte , el cual fue el teatro griego y donde en sus obras se destacan por la destreza narrativa y descriptiva apoyados por un amplio vocabulario haciendo que su actuación fuera exagerada, artificial, ornamentada y mecánica.

“A este tipo de actuación, Stanislavski opone una actuación orgánica, basada en la verdad escénica. El actor no debe aparentar en el escenario, sino existir de verdad, vivir la escena; es decir: sentir, pensar y comportarse sinceramente en las circunstancias de la ficción. Stanislavski elevó al actor a la categoría de creador y esta fue su gran misión”. El actor orgánico es un actor que piensa en función de la creación no repite, no imita; crea y da forma. Si un pianista copiara las piezas de otra pieza musical no sería más que un organillo. Para un pianista la música que va creando va dictando sus propios movimientos, sus ideas, sus emociones y el actor no debe ser la ecepción. Hay grandes actores orgánicos dentro del cine como Leonardo Dicaprio, Meryl Strept, Al Pacino, Marlon Brando entre otros que sin duda alguna son increíbles, pero hay una diferencia en el teatro, el termino orgánico va más allá, pues se establece una relación entre el actor y el espectador en un mismo espacio, la mente, el cuerpo están en tiempo real y conectándose con el espectador y la comunicación puede alcanzar niveles de comprensión mayores.

“Stanislavski se apoya en las teorías del francés Ribot de principios del siglo XX. Este había planteado que a veces reaparecían los recuerdos, con sentimientos incluidos, y a eso lo había llamado memoria afectiva”:

• Circunstancia personal
• Emoción
• Memoria sensorial
• Creatividad

Stanislavski quiere decir lo siguiente; hay una emoción que debemos escoger y llevar a escena. La idea es usar una circunstancia personal para llegar a esa emoción. Toda circunstancia personal está conectada con una emoción porque cuando una persona vive cosas siente cosas. El principal objetivo es separar la circunstancia de la emoción. “El actor trabaja en recuerdo personales, para que, por medio de estímulos, el actor pudiese conectarse con las imágenes del pasado y apareciese así el estado emocional en el escenario” . Para llegar a esa circunstancia personal el actor debe usar la creatividad la cual evoca a la memoria sensorial en este punto el actor siente físicamente el momento de esa circunstancia, el aroma, la textura, el sabor, el color, la reacción del cuerpo y todo esto se asocia a la emoción de ese momento, el pánico, la alegría, la nostalgia e incertidumbre sea cual sea la emoción que quiera evocar el actor para la puesta en escena.

“Stanislavski parte de la premisa de que el actor nunca debe dejar de ser el mismo en escena Nunca se pierdan a sí mismos en escena. Actúen siempre dentro de su personalidad propia, como artistas. No pueden nunca escaparse sí mismos. El momento en que se pierden, marca el dejar de vivir verdaderamente su papel para caer en la actuación falsa y exagerada” . El actor es uno con su personaje, el actor no es el mismo, pero no deja de ser él, él da vida al personaje por medio de él, si el actor rompe esa conexión con su personaje se volvería una actuación grandilocuente.

La primera etapa de trabajo de Stanislavski basada en la memoria emotiva o bien conocido como el periodo psicológico la pregunta fundamental que Stanislavski planteaba a sus actores era “si te encontraras en las circunstancias del personaje” ¿Qué sentirías? Eh invitaba al actor a recordar una experiencia que fuera análoga a la del personaje y a revivirla en el escenario. Pero en esta segunda etapa del trabajo y quizás la más importante Stanislavski consolida una base para la técnica del actor mucho más estable que la memoria emotiva. “Fue un maestro de maestros, que llegó incluso a partir de 1905 abrirse a las corrientes simbolistas y favorecer los experimentos simbolistas de sus discípulos. fueron varios los momentos de su carrera que le hicieron alejarse del realismo psicológico”. En esta etapa Stanislavski no quiere oír hablar de emociones, pero no significa que esto ya no sea importante, a este nuevo método lo definió como el método de las acciones físicas. En la etapa del método de las acciones físicas la pregunta fundamental de stanislavski se convierte en “si te encontraras en las circunstancias dadas del personaje” ¿Qué harías? “Fue el primer creador teatral que recogió sus investigaciones en unos manuales para el actor, donde mostraba, explicaba el trabajo de este. Este ejercicio recoge una serie de principios y afirmaciones que resultan coherentes y consistentes. Estos ejercicios prácticos se pueden agrupar en dos grandes grupos:

1. Ejercicios que ayudan al actor a tomar conciencia de sí mismos y adquirir un sentido teatral en su existencia acompañados de técnicas que llevan al actor a un estado de ánimo creador imprescindible para la interpretación.
2. Ejercicios que ayudan al actor a la creación de personajes eficaces, creíbles y métodos de acercamientos y trabajo con textos dramáticos”. Stanislavski quiere que los actores en cada fragmento de escena encuentren las acciones físicas de cada personaje hasta los detalles más pequeños y sutiles. La acción física para Stanislavski no es un gesto o un movimiento del cuerpo si no que es una acción activa justificada interiormente según las circunstancias dadas y que estás siempre tiene un fin de alcanzar un objetivo concreto.

Stanislavski nacido entre unas de las familias más ricas de aquel momento en Rusia. En su educación era habitual que frecuentara lo que era el circo, el teatro, el ballet y la opera. Fue su afición al teatro lo que más adelante le llevo a la creación del Teatro del Arte de Moscú donde consolido su trabajo junto con Nemirovich- Dancheko donde ambos diseñaron planes de trabajo que fueron recogidos en principios.

• La política general y la organización serán determinadas por las necesidades de las obras y de los actores.
• Para cada producción se diseñarán específicamente decorados, vestuario y utilería.

3. Las representaciones serán tratadas como una expresión artística, no como una ocasión social. Los aplausos en las entradas y salidas de los actores serán desaprobados”. El trabajo de Stanislavski logra cautivar al público con la primera puesta en escena de “La Gaviota” de Chejov y la interpretación de esta deja conmovido al público por su realismo. La figura de Stanislavski y su trabajo siguen transcendiendo y rompiendo fronteras donde su sistema es considerado en todos los centros de preparación del actor. Junto con Stanislavski encontramos a sus discípulos quienes propiciaron una evolución de su trabajo interpretativo y de puesta en escena llevándolo a lugares inexplorados y contribuyendo así al trabajo de las investigaciones teatrales; entre ellos Meyerhold, Vajtangov y Michael Chevoj. “Meyerhold se lanzó a la búsqueda de un estilo propio no ligado al naturalismo; lo que le llevo a plantearse el teatro desde un punto de vista totalmente diferente al que imperaba en su época”. Se trata del entrenamiento físico del actor donde conocer su cuerpo es fundamental para poder utilizarlo. Meyerhold renuncia al naturalismo y crea el concepto de biomecánica donde se trabaja la especialización del movimiento. Por otro lado, Vajtangov no tan conocido, pero sin duda no menos importante se destacó por el expresionismo de sus obras las cuales incorporaban máscaras, danzas, vestimentas abstractas, decorados vanguardistas, detalles analíticos de los textos y las motivaciones psicológicas de los personajes consiguiendo un teatro de fantasía.

“Michael Chejov (1891-1995) perfecciono el entrenamiento corporal de los actores, desde el punto de las “acciones físicas” y enseño en Inglaterra y EEUU el método “Psicofísico del actor” uno de los más extraordinarios actores y maestros del siglo XX” . Stanislavski ansiaba un sistema perfecto de la preparación del actor, pero Chejov buscaba también un estilo más perfecto de comunicación con el público. Su teatro consistía en unir la verdad interior y la profundidad emocional del sistema de Stanislavski. El trabajo en su estudio se basaba en sus experimentos sobre el desarrollo del personaje.

“El sistema de Stanislavski ha sido adoptado por muchas escuelas de interpretación del mundo o se ha tomado como punto de partida a la hora de experimentar sobre las técnicas de actuación actoral. La escuela americana se denomina la escuela del “Método” para distinguirla del Sistema de Stanislavski.” . El actor del Método se refiere a una serie interpretativa basada en el sistema de Stanislavski, el cual revoluciono el panorama interpretativo y dio a lugar a una actuación más orgánica y natural. Unas de las muchas técnicas que derivaron de eso fue la de Lee Strasberg y se viene a llamar como la técnica del El Método y se basaba en emociones, bloqueos y conflictos los cuales se trabaja sobre estos 3 pilares para hacer que nuestra memoria emocional trabaje de una forma natural y sin ningún tipo de bloqueo y de forma orgánica. “El método nace así de una manera singular y propia en el seno del Group Theatre, asentando en el seno de la compañía una fundamentación teórica y práctica sensiblemente diferente a los sistemas interpretativos americanos de la época, transformando desde entonces la interpretación en el teatro e incluso posteriormente, en el cine americano.”.

La aplicación del método de Stanislavski lo es todo en la actuación, no podemos llegar a sentir un personaje si no nos trasladamos a esas circunstancias dadas de ese personaje y hablamos emocionalmente y físicamente ¿Que sentirá? ¿Qué haría? ¿Quién soy? ¿Cuál es mi objetivo? ¿Qué sucede a mi alrededor? Todas estas preguntas nos unen al personaje y nos envuelven en él. “Apenas había leído dos páginas se apodero de mi un incontenible deseo de representar. Involuntariamente mis manos, brazos, piernas, músculos faciales y algo en mi interior empezó a moverse” (13). La representación de un personaje no es algo malo, pero si este se vuelve en todo el auxiliar del actor caería en una simple representación vacía de su personaje y es que interpretar y representar son dos cosas muy diferentes. “Peor aún no reconocía el sonido de mi propia voz. Además, ni la utilería, ni el plan que había trazado durante mi aprendizaje en casa armonizaban con la manera de representar de Paul”. El actor debe estar obligado a una serie de ejercicios de concentración que le ayuden a tomar conciencia de sí mismo y de su personaje. “yo debía entrar en la habitación de Otelo delineada por las sillas y tomar mi puesto. Me senté, pero el lugar resulto mal elegido. Apenas podía reconocer el plan de nuestra escena. Durante largo rato me fue imposible adaptarme a lo que me rodeaba ni concretar mi atención en lo que sucedía a mi alrededor”  cada movimiento en el escenario debe de tener un objetivo no solo se trata que el actor haga los gestos, ese constante desplazamiento que haga en el escenario está justificado. Es imperante que actor aplique este sistema para lograr un nivel mayor de profesionalismo, interpretación y representación del personaje en la puesta en escena.

Stanislavski creo un nuevo teatro y dio vida a las obras y a sus personajes. Entendió que había algo más detrás de la utilería, el escenario y los trajes, que aquellos autores quienes plasmaron sus historias con gran fervor y pasión no eran representados con el mismo sentimiento con el que fueron escritas. El trabajo de Stanislavski ha trascendido con su metodología y de su trabajo sigue habiendo quienes contribuyen y enriquezcan este arte.